Biographie de Edgar Degas

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Edgar Degas né le 19 juillet 1834 et mort le 27 septembre 1917 à Paris, est un peintre, graveur, sculpteur et photographe français.

La plupart des ouvrages consacrés à Edgar Degas, lorsqu’ils désirent le classer dans l’histoire de l’art, le rattachent au grand mouvement de l’impressionnisme, formé en France dans le dernier tiers du XIXe siècle en réaction à la peinture académique de l’époque. Les artistes qui en font partie, tels Claude Monet, Paul Cézanne, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Mary Cassatt, Berthe Morisot ou Camille Pissarro, las d’être régulièrement refusés aux Salons officiels, s’étaient constitués en société anonyme afin de montrer leur art au public.

On résume souvent l’art impressionniste au rendu du plein air et aux effets de lumières. Ces caractéristiques ne sont toutefois pas applicables à Degas : même s’il est un des principaux animateurs des expositions impressionnistes, il ne trouve sa place dans le mouvement qu’au nom de la liberté de peindre prônée par le groupe. Au plein air il préfère, et de loin, « ce que l’on ne voit plus que dans sa mémoire ». Il aurait un jour dit à Pissarro : « Il vous faut une vie naturelle ; à moi la vie factice. »

Si Degas fait officiellement partie des impressionnistes, il ne les rejoint pas dans leurs traits les plus connus. Sa situation d’exception n’échappe pas aux critiques d’alors, souvent déstabilisées par son avant-gardisme. Plusieurs de ses images ont semé la controverse, et encore aujourd’hui l’œuvre de Degas fait l’objet de nombreux débats auprès des historiens d’art.

Edgar Degas repose au Cimetière du Montmartre à Paris, dans le tombeau familial.



Fils du riche banquier Auguste de Gas et de Célestine Musson, Edgar de Gas naît à Paris le 19 juillet 1834 et grandit dans un milieu bourgeois cultivé. Il a quatre frères et sœurs et jouit d’une enfance dorée[1].

Après son baccalauréat, il commence à fréquenter le Cabinet des Estampes de la Bibliothèque nationale. Dessinateur inlassable, il y copie des œuvres de Albrecht Dürer, Andrea Mantegna, Paul Véronèse, Francisco Goya, Rembrandt. Il passe ses journées au Louvre, fasciné par les peintres italiens, hollandais et français. En 1854, il s’inscrit à l’atelier du Lyonnais Louis Lamothe, élève assez médiocre de Dominique Ingres et des frères Flandrin. De son côté, son père, amateur raffiné d’art et de musique, lui présente quelques-uns des plus grands collectionneurs de Paris, comme Lacaze, Marcille, et Valpinçon.

En 1855, il commence à suivre des cours à l’École des Beaux-Arts de Paris ; cependant, préférant approcher directement l’art des grands maîtres classiques tels Luca Signorelli, Sandro Botticelli et Raphaël, il entreprend de 1856 à 1860 de nombreux voyages en Italie[2], d’abord dans sa famille à Naples, puis à Rome et Florence, où il se lie d’amitié avec le peintre Gustave Moreau.

Ses œuvres de jeunesse comptent quelques peintures d’inspiration néoclassique, mais surtout de nombreux portraits des membres de sa famille. De 1865 à 1870, il propose au Salon son œuvre en cours. De 1874 à 1886, Degas envoie des œuvres aux expositions impressionnistes à l’organisation desquelles il participe très activement. Il a alors de très nombreux contacts avec des peintres de sa génération, notamment Pissarro, mais aussi avec des artistes d’avant-garde plus jeunes.

Malgré ses voyages en province et à l’étranger, c’est Paris qui compte essentiellement pour Degas — et à Paris, Montmartre. Il fréquente certains cénacles, ateliers, cafés littéraires et mène avec quelques bourgeois, ses intimes, une vie conformiste de célibataire hautain. De son milieu familial, il conserve la réserve et le respect des principes. Sa délicatesse de cœur, son intransigeance morale lui valent l’estime de tous. Il participe activement aux discussions qui réunissent les jeunes artistes d’avant-garde et son ami Édouard Manet au café Guerbois.

À partir de 1875, en proie à de nombreuses difficultés matérielles, la peinture devient sa source de revenu. Dans les années 1880, alors que sa vue commence à décliner, Degas privilégie le pastel, auquel il mêle parfois l'aquarelle et la gouache. Les tableaux de cette période témoignent d’un travail très moderne sur l’expressivité de la couleur et de la ligne. À la fin des années 1890, presque aveugle, il se consacre quasi exclusivement à la sculpture, qu’il pratique déjà depuis une dizaine d’années, transposant ses sujets favoris dans la cire. L’exposition de vingt-six paysages qu’il présente en octobre 1892 à la galerie Durand-Ruel est sa première et dernière exposition personnelle. À partir de 1905, le peintre se retranche de plus en plus dans son atelier, luttant contre la cécité qui le gagne. Presque aveugle depuis quelques années, Degas meurt d’une congestion cérébrale à Paris le 27 septembre 1917, âgé de 83 ans. Il est inhumé au cimetière de Montmartre. L’année suivante, les œuvres accumulées dans son atelier et son importante collection sont dispersées aux enchères.

La faillite de sa famille (mort de son père, problèmes financiers de son frère Achille), son caractère difficile, son esprit mordant, ses boutades féroces, ses positions souvent intransigeantes, la progression inexorable de ses troubles oculaires, ont pu contribuer à accentuer la misanthropie si souvent dénoncée de ce vieux célibataire. Cependant, il semble que cette réputation a été souvent exagérée. Plusieurs indices prouvent en effet que, même âgé, il continuait à s’intéresser à la création, recevant des artistes dans son atelier jusqu’à son déménagement en 1912.



La collection personnelle de Degas était principalement dédiée à l’art français du XIXe siècle, et en particulier à Ingres et Delacroix, deux artistes merveilleusement représentés tant en quantité qu’en qualité. À plusieurs reprises, Degas a d’ailleurs reconnu l’admiration qu’il portait à l’art des deux grands maîtres, à leurs techniques mais aussi à leur culture artistique. À travers leurs œuvres, Degas renouait avec les maîtres du passé et consolidait sa culture classique.



L’influence d’Ingres fut certainement prépondérante dans sa jeunesse. À vingt et un ans, le jeune Degas obtient de rencontrer le vieux maître dans son atelier. La même année, il copie avec passion des œuvres présentées dans la rétrospective consacrée à Ingres. Peint à cette époque, le premier grand autoportrait de Degas fait clairement référence à celui d’Ingres datant de 1804. Le jeune artiste ne s’est cependant pas représenté en peintre mais en dessinateur, un porte-fusain à la main, se remémorant peut-être les conseils qu’Ingres venait de lui prodiguer : « Faites des lignes, beaucoup de lignes, et vous deviendrez un bon artiste. »

Même à la fin de sa carrière, Degas n’abandonna pas l’approche académique qui consiste à mettre en place une composition à l’aide de dessins préparatoires, et notamment d’études d’après modèle vivant. De la même façon qu’il préparait ses tableaux d’histoire, il a souvent recours au dessin pour ses dernières scènes de la vie moderne. Il continue à appliquer les préceptes d’Ingres. Se souvenant des nus féminins d’Ingres comme la « Baigneuse Valpinçon », il dessine ses femmes à leur toilette, en cernant d’un trait sombre et sensuel les contours de leur corps.



Degas admire les œuvres qu’Eugène Delacroix présente au Salon de 1859 et étudie sa peinture, entreprenant notamment une copie à l’huile de « l’Entrée des Croisés à Constantinople ». Désormais, Degas s’attache à réconcilier couleur et dessin, mouvement et structure, en réalisant la synthèse des diverses influences qu’il continue à recueillir.

Dans sa dernière période, Degas fait en effet de plus en plus appel à des coloris éclatants, voire criards, et à des harmonies de couleurs complémentaires. En digne successeur de Delacroix, il libère sa palette de toutes contraintes pour peindre selon ses propres termes des « orgies de couleur ». En 1889, Degas voyage à Tanger sur les pas de son illustre prédécesseur.





Pendant les vingt premières années de sa carrière, Degas expérimente tous les genres. Il a tout d’abord une prédilection pour les portraits. Dans ceux-ci, les accessoires prennent parfois tant d’importance que les œuvres sont à mi-chemin entre portrait et nature morte. Il apparaît très tôt capable de composer de grandes toiles ambitieuses comme « La famille Belleli ». Au début des années 1860, Degas aborde le genre des peintures historiques, en ayant recours de manière très personnelle à diverses sources d’inspirations. Il ne délaisse pas pour autant la peinture de genre, se passionnant très tôt pour les courses de chevaux, puis pour la danse, l’opéra, les cafés-concerts et la vie quotidienne. La danse est un sujet qui marquera la carrière de Degas. Il était en admiration devant ces danseuses qui rayonnaient sur la scène. Elles étaient comme des étoiles dont notre regard ne pouvait se détacher. Il les montrait en préparation, derrière la scène et lors de leur prestation. Degas allait sur place pour représenter du mieux qu’il pouvait les moindres détails, c’est pour cette raison que ces tableaux nous touchaient tant.

Pour ces scènes de la vie moderne, il a parfois recours à des effets lumineux expressifs et invente des mises en page très audacieuses (cadrages ingénieux). Le genre du paysage est certainement celui que Degas a le moins travaillé, même s’il a exécuté une série ponctuelle de paysages au pastel. Enfin, les premières tentatives de sculptures demeurent quant à elles marginales par rapport aux huiles sur toiles, avec lesquelles Degas met progressivement en place une « Nouvelle peinture » qui s’épanouira au cours de la décennie suivante.



En 1874, de retour à Paris après un voyage à la Nouvelle-Orléans, Degas commence à se faire connaître. Il était jusqu’alors relativement méconnu, malgré le rôle de chef de file qu’il occupait avec Manet parmi les artistes du café Guerbois. Dès la deuxième exposition, Degas est remarqué par les critiques, qui louent ou dénigrent le réalisme de son travail. La défense du « mouvement réaliste », pour reprendre sa propre expression, est d’ailleurs au cœur de sa démarche dans ces années-là.

C’est vers cette époque qu’il commence à explorer certains thèmes nouveaux, comme les repasseuses, les modistes ou les femmes à leur toilette. Cultivant son goût des expérimentations techniques, il recherche des moyens picturaux inédits. Ainsi, en 1877, il présente une série de monotypes, parfois rehaussés de pastels, qui témoignent d’une économie de moyens et d’une liberté de facture très novatrices.

Cette époque de la vie de Degas est donc marquée par des innovations techniques qui vont de pair avec des innovations formelles : Degas multiplie les points de vue audacieux, en plongée ou en contre-plongée (voir « Miss Lala au cirque Fernando »). Jouissant de la spontanéité que lui permet le travail du pastel, il recherche des effets lumineux et colorés très originaux, s’attachant par exemple avec ses nus très réalistes de 1886 à traduire les vibrations de la lumière sur le corps des femmes. Il dit d’ailleurs à propos de ses nus : « Jusqu’à présent, le nu avait toujours été représenté dans des poses qui supposent un public. Mais mes femmes sont des gens simples... Je les montre sans coquetterie, à l’état de bêtes qui se nettoient. » C’est souvent pour de tels propos qu’il fut traité expéditivement de misogyne : c’est pourtant moins la volonté délibérée d’insulter la beauté des femmes que l’extrême souci d’une implacable véracité anatomique qui transparaît dans son approche.



Pendant près de trente ans, déjà âgé, Degas ne cesse de renouveler son art. Travaillant de plus en plus par série, il décline des thèmes familiers. Ne s’intéressant que de manière ponctuelle au paysage, il est toujours fasciné par les danseuses et de plus en plus par les femmes à leur toilette, qui se lavent, se coiffent ou sortent du bain.

Pour peindre ces figures féminines, Degas tend à privilégier les coloris vifs et intenses qu’il juxtapose sans craindre d’aboutir à des harmonies criardes (« La coiffure »).

On a souvent expliqué l’évolution de la palette de l’artiste par l’aggravation de ses troubles oculaires. L’usage de ces couleurs audacieuses est pourtant indissociable d’une affirmation de la puissance expressive de la ligne. Degas ne néglige en effet jamais la structure formelle : pour mettre en place ses compositions, il a parfois recours à un dessin sous-jacent au fusain et utilise régulièrement des dessins préparatoires. L’usage intensif qu’il fait de la sculpture participe également de cette volonté de ne pas négliger la structure formelle, recherchant pour chaque figure la justesse des mouvements et l’équilibre des volumes.

A partir des années 1880, Degas va aussi poser la question d'une sculpture « impressionniste ». Réalisant des modèles en cire peint au naturel qu'il « accessoirise » ensuite, ces sculptures frappèrent ses contemporains par leur réalisme. Sur les dizaines de modèles conservés de nos jours un seul fut présenté de son vivant, lors de l'exposition impressionniste de 1881 : La Grande Danseuse. Cette sculpture (dont un tirage en bronze, daté entre 1921 et 1931, est conservé au Musée d'Orsay) représente, en grande taille, une jeune danseuse de 14 ans. A l'origine en cire peinte, elle était agrémentée de cheveux, chaussons et robe de danse, illustrant ainsi, dans la sculpture, les cherches de Degas sur la réalité[3]. Ces sculptures n'étaient toutefois pas destinées à être montrée mais permettaient à Degas de fixer le mouvement pour ensuite servir de modèles à ses peintures. Les thèmes traités en sculpture sont donc très proche des œuvres peintes, comme les séries de danseuses ou de nus féminins (Le tub, 1880, bronze, Musée d'Orsay[4]). A la mort de l'artiste, les œuvres seront découvertes dans son atelier, restaurées puis moulées afin de permettre les tirages en bronze que l'on connait aujourd'hui.



Degas maîtrise les raccourcis elliptiques, la pratique des gros plans, le goût du regard ascendant ou plongeant, les oppositions heurtées, les variations sur le thème du contre-jour ; il invente un rôle dans la suggestion de l’espace à de splendides planchers éclaboussés de lumière, agence subtilement les rapports de reflets, les sources de lumière, attentif aux éclairages imprévus de la rampe qui jettent des taches colorées sur les visages. L’artiste ose couper, sectionner. Il sait faire la synthèse d’une suite de mouvements, les gestes qu’il suggère par un dessin de plus en plus cursif ont une surprenante valeur expressive.

En référence à sa fidélité pour quantité de règles classiques mais aussi à ses nombreuses innovations, on a pu écrire à son sujet en 1919 : « Il a jeté un pont entre deux époques ; il relie le passé au plus immédiat présent. »

Bien que célèbre aujourd’hui, Degas reste encore un « mal aimé » par rapport à Vincent Van Gogh, à Paul Gauguin et même à Henri de Toulouse-Lautrec, et on lui refuse l’importance qu’on accorde à Paul Cézanne. Mais la postérité exauce ainsi son vœu : « Je voudrais être illustre et inconnu. »

La cote de ses œuvres peut atteindre des sommets :

  • Danseuse au repos, 1879, pastel et gouache sur papier vendu 37,042,500 $ le 3 novembre 2008, Sotheby's, New York[5]
  • Danseuses à la barre, 1880, pastel, gouache et fusain sur papier vendu 13,481,250 £ le 24 juin 2008, Christie's Londres[6]
  • Petite danseuse de quatorze ans, 1897/1891, bronze, mousseline, satin vendu 13,257,250 £ le 3 février 2009, Sotheby's Londres[7]




  • Portrait de l'artiste (1855), huile sur papier marouflé sur toile, 81,3x64,5 cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Femme aux chrysanthèmes, (1856), 74x93 cm, Metropolitan Museum of Art, New York
  • Hilaire-René de Gas, (1857), 53x41cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • Giulia Bellelli, (1858), Huile sur papier marouflé sur toile, Washington, Dumbarton Oaks Library and Collection.
  • Marguerite de Gas, (1858-1860), 80x54cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Portrait de M. Ruelle, (1861), 46x38 cm, Musée des Beaux-Arts, Lyon
  • Sémiramis construisant Babylone (1861), 151x258cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Couse de gentlemen,avant le départ (1862), 48,5x61,5cm,Musée d'Orsay, Paris
  • Thérèse de Gas, sœur de l’artiste, (1863), 89x67 cm., Musée d'Orsay, Paris
  • Portrait de l'artiste, (1863), 92x66cm, Lisbonne, Museu Calouste Gulbenkian.
  • Scène de guerre au Moyen Âge, (1865), 85x147 cm., Musée d'Orsay, Paris.
  • Monsieur et Madame Edmondo Morbilli, (1865), 116x88cm, Boston, Museum of Fine Arts.
  • Le défilé, (1866-1868), 46x61cm, huile sur papier marouflé sur toile.
  • Portrait d'une jeune femme, (1867), 27x22 cm, Musée d'Orsay, Paris
  • L’Orchestre de l’Opéra, (1868-69), 56x46 cm., Musée d'Orsay, Paris
  • Intérieur (Le Viol), (1868-69), 81x116 cm., Philadelphia Museum of Art, Philadelphie
  • Le violoncelliste Pilet (1868-1869), 50,5x61cm, Musée d'Orsay, Paris
  • La Repasseuse, (1869), 92.3x74 cm., Neue Pinakothek, Munich
  • Portrait de Hortense Valpinçon enfant, (1869)110x76cm, Minneapolis, The Minneapolis Institute of Arts.
  • Jeantaud,Linet,Lainé, (1871) 38x46cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • Portrait de Mlle Dihau au piano (circa 1869-1872) Musée d'Orsay, Paris
  • La Salle de ballet de l’Opéra, rue Le Pelletier, (1872), 33×46 cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • La femme à la potiche (1872), 65x54cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • Madame René De GAS, (1872-1873),72x92cm, Washington, National Gallery of Art.
  • Portraits dans un comptoir ( Nouvelle-Orléans ), (1873), Pau, Musée des Beaux-Arts.
  • Classe de danse, (1874), 85x75cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Répétition d'un ballet sur la scène (1874), 65x81cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Madame Jeantaud au moroir (1875), 70x84cm, Musée d'Orsay, Paris
  • L'Absinthe, (1875-76), 92x68 cm., Musée d'Orsay, Paris
  • La Première ballerine, 58x42 cm (v. 1878), Musée d'Orsay, Paris.
  • Mlle Lala au Cirque Fernando, 117x7cm, (1879), Londres, The National Gallerie.
  • Portraits à la Bourse, (1878-1879), 100x82cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • L’École de danse, 42x49 cm (1879-1880), Corcoran Gallery of Art , Washington D.C.
  • Danseuses mauves, Musée Faure d’Aix-les-Bains, (Savoie)
France.

  • Femme assise sur le bord d'une baignoire et s'épongeant le cou, (1880-1895)Musée d'Orsay, Paris
  • Repasseuses, (1884-1886), 76x81,5cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • Danseuses montant un escalier, (1886-1890),39x89,5cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Danseuse bleues (1890), 85x75,5cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Salle de billard au Ménil-Hubert, (1892), 50,7x65,9cm, Musée d'Orsay, Paris
N.B. Sauf spécification particulière (huile sur papier marouflé sur toile par ex.) les œuvres de Degas sont exécutées à la peinture à l'huile sur toile.



  • L'Étoile ou Danseuse sur scène,(1876), pastel sur monotype, 58x42cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • La repasseuse (1869), 74x61cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Falaise au bord de la mer,(1869), 32,4x46,9cm Musée d'Orsay, Paris
  • Marine, (1869), 31,4x46,9cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • Ludovic Halévy et Albert Boulanger-Cavé dans les coulisses de l'Opéra, (1879), 79x55cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • Scène de ballet, pastel sur monotype, (1878-1880), 40x200cm, lieu inconnu...
  • Portrait d'Edmond Duranty, pastel et tempera, (1879), 100,9x100,3cm, Glasgow Museum & Art Galleries.
  • Danseuses, (1884-1885, 75x73cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Deux baigneuses sur l'herbe, (1886-1890), 70x70cm, Musée d'Orsay, Paris
  • Femme nue se coiffant,(1888-1890), 61x46cm, New York, Metropolitan Museum of Arts.
  • La tasse de chocolat après le bain, (1905-1908), 113x111cm, Musée d'Orsay, Paris.


  • La petite danseuse de quatorze ans, (1879-1881), hauteur 99,1cm, New York, The Metropolitan Museum Of Art.
  • Grande arabesque, (1892-1896), bronze, hauteur 44cm, Musée d'Orsay, Paris.
  • Danseuse regardant la plante de son pied droit, (1895-1910), hauteur 46,4cm, Musée d'Orsay, Paris.






  • Marina Robbiani, Degas, CELIV, Paris, 1988 (ISBN 2-86535-074-6)
  • Fiorella Minervino, préf. Jacques Lassaigne, Tout l'œuvre peint de Degas, Flammarion, Paris, 1974


  • Impressionnisme




  1. Marina Robbiani, Degas, CELIV, Paris, 1988 (ISBN 2-86535-074-6) p. 3
  2. Marina Robbiani, Degas, CELIV, Paris, 1988 (ISBN 2-86535-074-6) p.3-4
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